用「感受」作画：一份还在试行中的创作思路

这是一篇彻底主观的创作随笔。写给正在尝试用感受画画的自己。

我承认，现在的我还不完整。造型能力也并不强，很多东西画不出来，设计也常常磕磕绊绊。
但我允许这个不完整存在，并且——继续往前画。因为对我来说，画布不是一块板子，而是一扇窥探世界的窗口。

我想学会的，是：

让视觉贴近自己的心，去记忆「感受」，再把「视觉」记忆成「感觉」。

一、从「开心吗 😄」开始：创作是主观感受的练习

我越来越相信：创作的核心不是「画得像不像」，而是一个简单的问题：

我现在，真的有被这幅画触动到吗？

创作时，我尽量把注意力从「做好看」「要高级」，拉回到非常粗暴的一点：

• 开心吗；
• 有悸动吗；
• 有没有哪一瞬间觉得「唔，这里有点东西」。

我希望用一种「创作状态」去感受画面，而不是用旁观者视角去打分。

• 不只是看「画得对不对」，
• 而是感受「这幅画有没有和我内心的某种东西对上号」。

创作，对我来说，是一个让自己对世界保持感受力的日常练习。

二、把「视觉」记成「感觉」：主动与被动的感受画面

大多数时候，我并不是缺「参考图」，而是缺一种和画面建立情感连接的方法。

现在，我把「感受画面」分成两类：

1. 主动唤起的感受画面

用多样化的参考去「调动心境」：

• 翻作品、看照片、看电影分镜、观察现实中的光影；
• 不是为了照抄，而是为了问自己：
  这张图，让我最有感觉的点是什么？

2. 被动遇见的感受画面

日常刷到、路上看到的画面，哪怕只是一瞬间的光线、一个人侧脸的剪影。

我想练习的是：主动把当下的感受归纳出来，而不是让它们路过就消失。

我会特别留意那些画面：

• 易于辨识、易于记忆、特征鲜明；
• 能让大脑负荷变低，看起来舒适愉悦。

这些画面更容易成为记忆点，也更容易在创作时被再次召回。

三、造型不足怎么办：从剪影开始

我很清楚自己现在的造型能力并不够强。
与其假装没看见，不如承认：那就从我能做的地方开始补。

我给自己设了一条简单的路径：

1. 先设计剪影

先不急着细节，只看整体的黑白块：人物、物体、姿势……

只问一个问题：

这个形状，单看轮廓就好认吗？

2. 再往剪影里填充结构

• 用骨骼去创建比例；
• 用基本的透视与消失点去组织空间；
• 让「心点」「视线中心」有一个合理的站位。

3. 在造型里练「完形意识」

完整的图形，比碎片化的结构，更能带来视觉愉悦。

我希望画面是：

• 确定中的不确定；
• 可控中的适当变化。

那种「差一点又刚刚好」的不稳定平衡，会让画面更有生命感，也更贴近真实的感受世界。

四、从感受到画面：我的「铆定感受」流程

我给自己设计了一个还在试行中的内在流程，用来把「抽象感受」固定到画面上：

感受 → 联想 → 回忆 → 视觉特征 → 解构重组 → 画面构成

1. 先确认我要的感受

比如：窒息的温柔、疏离的安静、发光但疲惫的喜悦……
感受可以很模糊，但我会尽量给它一个大致的词。

2. 用联想为感受「组队」

联想是核心能力。

• 这个感受，让我想起哪些画面、场景、物体、天气、颜色；
• 这些东西又会连到什么故事、什么人物。

3. 提取当下瞬间的视觉特征

从「想起的画面」里，把视觉特征抠出来：

• 线条是硬还是软；
• 形状是拉长、压扁还是断裂；
• 颜色是浑浊、发灰，还是明亮但刺眼。

4. 循环解构、拼装、夸张

• 拆掉原本的现实结构；
• 加入夸张、拟人、替换、变形；
• 每次变化都问自己：
  这一改动，有让「指定感受」更强一点吗？

5. 寻找「感受的极限阈值」

在不过度戏剧化的前提下，把情绪推到它的临界点：

• 再多一点会太做作；
• 再少一点则不够锋利。

6. 附加更细腻的感受分支

在主感受之外，为画面添加若干细小情绪：

• 疲惫里的温柔；
• 凉意里的安全感；
• 空旷里的微小噪音。

最终，让整体感受和那些分支感受，都各自拥有对应的视觉特征，并一起参与构图。

五、创作时的「心流模式」：小目标与反馈循环

我对「完美」的执念还在，但不再逼自己一开始就完美成图。
我更想要的是一种可持续的心流状态：

• 集中在画面的「此刻」与「下一步」；
• 持续在当前效果与未来想象之间来回判断：
  这一步的联想，对画面的进展有帮助吗？

我会给自己设局部小目标，比如：

• 这一小时只解决剪影；
• 现在只找最亮和最暗的区域；
• 这个阶段只在意节奏，而不是细节。

每完成一个小目标，就给自己一个反馈：
「好，这一块完成得不错，可以往下一个走了。」

然后依靠这种小范围的正反馈链路，把自己拉进创作的流里。

六、工具层的实践：从草图到色彩

在具体操作上，我给自己列了几条「好用就继续用」的实践方式。

1. 草图与关键帧

• 先在画布上确定感受
  可以用草图和文字，把当前想法写在角落：「压抑但发光」「空旷但黏稠」之类的。
  重点是——让大脑里那个模糊画面尽量清晰成像。
• 快速迭代草图
  线稿就是用来试错的。
  不要恋战，宁可多画几个版本，也别死在一个草图上。
• 寻找「最具感受力的关键帧」
  把整幅画当成一个故事，从中抓出「最有感觉的那一瞬间」，画的，就是那一帧。

2. 黑白与形状

• 用黑白草图先锚定亮度结构
  找出画面里最亮与最暗的区域，让视觉焦点有明确的「亮度支点」。
• 形状与颜色一样重要
  不只是「上什么色」，而是：这个形状有没有自己的个性。
  用「完形」去打破固有形，创造更灵活、富有节奏感的视觉体验。

3. 色彩与真实感

• 尝试用半透笔刷起草色草
  用色块先把气氛铺出来，细节可以先交给线去表达。
• 从自然里偷色
  去观察自然界已经存在的色彩组合，尝试提取它们的固有色、明度与 RGB 分布规律。
• 真实感的来源
  真实感并不只是「细节多」，它来自：
  · 肉眼对注视点的「生理曝光」；
  · 注视点附近被细化、边缘被模糊；
  · 远处的频率被压缩、信息被抹平。
  让画面对焦的位置，和人类真实的观看方式对齐。

七、角色与故事：让画面长出灵魂

对我来说，角色是灵魂的化身。

• 角色不是一份「人设表」；
• 而是一种感受在画面中的载体。

我希望画面里隐含一个简单的故事结构：

起 – 承 – 转 – 合

哪怕故事永远没有文字版，也至少在我心里，要知道：

• 主角是谁；
• Ta 发生了什么；
• 现在停留在哪一个「情绪段落」。

绘画、写作、任何创作，其实在这里都是互通的：
都在依靠创作过程引导图像想象，再用幻想去重塑属于自己的幻境。

八、让创作重新变成「多巴胺渠道」

我不想再只靠「结果」奖励自己，而是试着让整个流程本身变成奖励。

一些我在做的小事：

• 多欣赏不同风格的作品
  不只是羡慕「他们好会画」，而是练习用自己的语言总结：
  这幅画哪一部分让我有悸动。
• 「脑内跟画」
  看别人的图时，在脑内假装自己在画：从构图、用色到细节，心里默默模拟一遍。
• 睡前预留一小段「幻想静思时间」
  不看手机，只在脑内播放画面、整理思绪，然后尝试把这些视觉体验，在第二天用笔复现出来。
• 时刻注意保存那些「有感触的视觉信息」
  可能是一张截图、一段光影、一句形容……
  它们都是帮我重建多巴胺反馈链路的小零件。

只有当我开始享受细化、享受构图、享受打磨每一块形状，创作这件事，才有可能成为一条稳定的快乐通路。

尾声：在不完整里继续前进

我知道自己对「美」有执念：

美而极致且独特，才让我觉得有价值。

也知道自己离这种状态还有距离。
但这不再是我责备自己的理由，而是我继续往前画的方向感。

我不再只靠记忆回溯过去的画面，而是尝试依靠当下的感受去创造新的画面。

创作灵感的敏感度，是可以被重新养起来的。

一步一步：

• 捕捉触动；
• 强化悸动；
• 让视觉贴近内心；
• 再从画布这一侧，回望世界。

毕竟，画布从来都不是终点。
它只是我用来窥探世界，也窥探自己的那一扇窗口。